Presentación del artista y “Guerrilla interna”

Texto introductorio escrito por Craig Macintosh para el libro Prácticas paganas de santificación.

Hace años encargué una pintura: una comedia agradable de un retrato familiar con nosotros esculpiendo un montículo de nieve en un gnomo de jardín. Un 'gnomo' lo llamamos. Detrás de nosotros quería que mi ciudad natal se derrumbara y se quemara hasta la ruina mientras nosotros lo negábamos todo: una premonición de nuestro futuro.

Como acomodar sillas en el crucero que se hunde, estábamos haciendo arte efímero en el césped, mientras que nuestro entorno sugería que estábamos en vísperas de la extinción. Raúl Pizarro fue el único verdugo de esto. Él matiza y puede profundizar en la parodia. 

Recibí el lienzo un año después. Lo desenrollé sobre mi banco de trabajo para mirar lo que había hecho. ¡Y lo que acababa de hacer! Fui mecenas de un artista. Un verdadero artista. Lo peiné mirando las pinceladas, el punteado, las capas. Como un pintor infantil, la deconstruí simplemente tratando de aprender. 

Miré hacia la esquina en busca de la firma del artista. Sólo quería ver cómo se veía. no estaba allí. No estaba en ninguna parte. Había un sello en la parte posterior de un museo. Volví a mirarlo como quien autentica un reloj o un bolso. No lo vi. Luego me reí al reconocer un comportamiento que realmente admiro en la omisión. No firmo mucho mi trabajo. P

uedo incluir un guiño sutil a un amigo a veces, pero no esa pequeña cosa en la parte inferior derecha. Y Raúl, me enteraría, abandonó esta moda objetable hace años. Su sello está camuflado pero está ahí en alguna parte. Pero no es una marca. No hace la pieza. Es como si el director no perteneciera al escenario durante la obra. Confía en el trabajo. La ausencia de una firma es un ajuste de cuentas con el ego. 

Cuando le pregunté "por qué" omite la floritura, responde:

"Mis pinturas son poesía narrativa".

Raul Pizarro

Fiel a la persona enigmática que es, prácticamente lo deja así. Como de costumbre, me quedo pensando en cómo eso explica todas las pinturas que he visto y confirmo más tarde mientras miro la pintura Guerrilla Interna. 

Las respuestas vienen en forma de poesía narrativa. 

Pizarro siempre está afuera mirando hacia adentro. Eso es ser creador y director. Guerrilla Interna es un momento de crisis de autocontrol, disciplina y engrandecimiento: una pintura de un momento a solas contigo mismo y separado de ti mismo.

Invoca la conciencia de la psicosis vivida mientras piensas en ti mismo e intentas razonar con tus partes dispares e inidentificables. Pero el problema es que las partes pueden verse pero no pueden reconciliarse. Separarse, psicológicamente, es algo que todo el mundo hace hasta cierto punto.

Es por eso que estamos a la defensiva, somos compasivos, atractivos, solitarios, nos disculpamos, etcétera... Tenemos partes exiliadas y tenemos partes protectoras. No somos una sola acción o una sola emoción. No somos buenos ni malos. Somos buenos y malos. Somos complejos. 

Ver Guerrilla Interna es helarse tan solo por el trabajo artesanal técnico. Es como si Pizarro estuviera usando una escena que aborda el ego y simplemente flexiona sus habilidades técnicas para contrastar el tema.

Es como si el concepto del ego fuera el sujeto, reflexivo, humilde, y la pintura física real en sí misma fuera el otro sujeto, el gran alfa flexible. Las dualidades están tanto en el oficio como en las figuras. 

Las sombras, el modelado y el reflejo, prueban la técnica del pincel. La ventana de cristal tallado y su sombra son un ejercicio de naturaleza muerta, pero un dedo en el ojo para la naturaleza muerta del cuenco de frutas.

Todo es prueba de técnica para resaltar todo lo que se relaciona con ese tema del ego. Probarte a ti mismo es un indicador del estado elevado de la parte más frágil. Pero si no fuera por la fragilidad de la prueba que impulsa el ego, no tendríamos la ambición de crecer o desarrollarnos.

E incluso trabajando a través de este concepto para hacer esta pieza, esta pieza no existiría si no fuera por la necesidad de probarla. El ciclo es la causa de su equilibrio y desequilibrio. 

En cuanto a los dos sujetos, son partes divididas; ambos están afuera mirando hacia adentro y preguntándose, ¿cuándo es la resolución? Una de las partes ha sido expuesta para que el mundo lo vea: el mundo al que le ha dado la espalda y que aún brilla intensamente, pero no puede enfrentarlo. ¿Quién no está paralizado por la duda y la autorreflexión? Has vivido este momento.

Toda la vergüenza y el tumulto que has conocido se mantienen en la postura de la figura de la izquierda, mientras que su opuesto se encuentra en juicio, con una postura de armadura de cuero. Este tiene confianza y está protegido y tiene el coraje de enfrentarse a sí mismo en una habitación de silencio cristalino que probablemente ni siquiera pueda notar debido al caos en su mente dividida.

Está de pie, esperando frente a la pared, que marca el tiempo como un reloj de sol. Bien podría estar allí parado golpeando sus pies mientras la sombra avanza minuto a minuto: tic tac... tic tac... Espera ser reconocido como el árbitro fuerte y omnisciente por la parte sin armadura: la vulnerable. 

Ambos tienen coraje, sin embargo. El valor no está determinado por gestos y posturas gregarios. Saber cuándo ser solitario y reflexivo y no mirar esa botella en el estante inferior de la mesa auxiliar es un acto de valentía.

Refrenar los impulsos que pide el lado más gregario es un acto de autoconciencia y puede beneficiarte a ti y a tu comunidad. Por el contrario, cuando está paralizado por la duda y cuando está atrapado en un lodazal interminable de reflexión, simplemente ceder a una fuga de su yo más estridente puede sacudir una prisión autoimpuesta. No hay fundamentalismo entre estas dos partes.

Son facciones competidoras que buscan todas las ventajas para prosperar en esta batalla interna. Las partes exiliadas son las que constituyen la plasticidad de nuestro "yo" completamente matizado. 

Si somos honestos, la división no es algo para negar. La conciencia de la dualidad es una ventaja. La dualidad engendra perdón porque no somos la suma de nuestros éxitos, fracasos o luchas. Estamos matizados, reparados, rotos y reparados de nuevo.

Estamos variando las complejidades de la explosión humana con narrativa poética. Y si tu objetivo es conocerte a ti mismo, no comienza con la defensa, comienza con la observación. 

Al final de mi visita a Guerrilla Interna y pensando en su trabajo anterior, entendí un poco más acerca de por qué su firma estaba escondida: pintada en la pared de ladrillos de mi pintura. Este pintor tiene plasticidad y permite cambios en sí mismo y en su oficio.

Permite cambios estilísticos para adaptarse a su estado de ánimo y seriedad. Es reflexivo y serio y no necesita estar "en la marca". Su trabajo es ejercicio y no garantiza ni se ajusta a la marca. 

Fui influenciado por el enfoque de la creación escrita en The Unknown Craftsman por Sōetsu Yanagi. Este libro se enfoca principalmente en la cerámica, que no me interesaba, pero la destilación del caso del autor fue que el trabajo debe ser tan bueno que el arte hable, haciendo una firma redundante y disonante con la naturaleza de ser un fabricante.

Si eres digno de tu sal, debes saber que eventualmente tu trabajo te será atribuido simplemente porque esa es la continuidad de tu estándar. La premisa de Yanagi revirtió la toxicidad que impulsaba mis jóvenes ambiciones artísticas, que eran defensivas y decididas y una receta para el fracaso. El valor del objeto mismo afirma su valor si el valor es verdadero.

El verdadero valor se manifiesta si el creador está completamente presente durante el proceso. Hacer por el bien de la atención promueve una pérdida de veracidad. El arte con poder de permanencia finalmente influye en toda la humanidad. 

Así que Pizarro hace que cuente.

Planta pedazos de sí mismo en su arte para que veamos su verdad. Trae la incongruencia a nuestra atención, sabiendo que, como humanista, tiene parte en la influencia de toda la humanidad. La idea es hacer el trabajo y dejar que se escape de tu control para hacer más de lo que tu "yo" podría hacer sin él.

Si la obra de arte resultante no tiene una marca, te resignas a confiar en que el futuro se resolverá por sí mismo y la percepción estará a favor de los creadores. Eso es mucha fe para depositar en los historiadores que aún no han nacido, mientras que el presente que conocemos es una cleptocracia de la información y una era de posconfianza.   

Hay relativamente pocos artistas cuyo trabajo esté tan bien articulado y correcto con una rica combinación de intelecto, artesanía y originalidad que trascienda la necesidad de anotar la autoría y pueda confiar en la futura erudición anónima para realizar la investigación.

Se necesita un artesano de verdadero coraje para enviar su trabajo al mundo de la historia del arte y la mercancía confiando en que los académicos sabrán qué hacer con él y no lo verán calumniado por los copistas.

Pizarro puede dejarlo ir porque pintar y pensar es tanta compulsión como dormir y comer. Su experiencia con el pincel hasta ahora demuestra que no está limitado por el estilo o el concepto, solo por el tiempo. 

Habrá muchas comparaciones con Michelangelo Merisi da Caravaggio en el cuerpo de trabajo actual de Pizarro y en el siguiente texto, porque la comparación no se puede omitir éticamente. La influencia de la mente y el método artístico de Caravaggio es obvia y se incluirá en mi análisis.

La ofuscación o la ausencia de una firma

La ofuscación o la ausencia de una firma es la primera similitud a mencionar. No es una correlación muy obvia, pero como es innegable que es una consideración motivada por parte de los artistas, justifica el desglose. Una omisión de firma es atípica y llama la atención sobre los valores y motivaciones personales. 

Caravaggio finalmente incluyó una firma en la salpicadura de sangre en La decapitación de San Juan Bautista, cuando se acercaba al final de su vida después de lo que bien pudo haber sido su primer y único momento de gratitud.

Un fugitivo recibió alivio después de ser recibido, admitido y ahora protegido por los Caballeros de la Orden de San Juan. Firmó su nueva pieza pero lo hizo con el dedo medio hacia arriba. Pintó esto para la Orden de San Juan y la sangre fue un recordatorio de la muerte violenta de sus santos. Fue asesinado por su fe y por eso también estás aquí.

Estás aquí para derramar sangre por el señor’. En el rocío de sangre de la garganta del santo mártir aparece escrito: ‘F MichelAn’. Tal vez lo consideró su obra maestra de coronación y después de escapar constantemente de la muerte, sintió que finalmente tenía ganas de armar un legado.

Tal vez estaba agregando moneda a su pintura para dar peso a su gratitud por haber aceptado el pedido. Pero probablemente, este trabajo fue firmado para comenzar a difundir el conocimiento a todos sus asesinos de que ahora era un caballero y estaba bajo protección y que era hora de anular la sentencia de muerte que estaba superando. 

Se puede argumentar que la ausencia de una firma refleja una ausencia de autoestima. Tal vez viene de pensar que el trabajo no valdrá la pena entonces ¿por qué importa mi nombre? Caravaggio puede haber sufrido déficits de autoestima y haber pasado su vida actuando con violencia y caos, pero a menudo trabajaba en un autorretrato muy reflexivo en algún lugar sutil.

A esa noción de veracidad que mencioné antes, la ausencia de una marca dice mucho más del pintor que la marca de un fabricante. Ser sincero y considerado en tu oficio es una práctica completamente diferente a ser sincero y considerado en el mundo real.

Antes de que se revelara la pintura un mes después, Caravaggio, fiel a su carácter, lo tiró todo por la borda por un poco más de tiempo, una vida difícil y una muerte joven. Si eres un artista solitario adicto al conflicto y esa es tu verdad, que así sea.

Si eres solitario y tímido, y te faltan modelos, y no quieres garabatear tu nombre por todas partes, tal vez trabajar en un autorretrato sea para ti. Pero tal vez no te guste tanta atención. Agregue un poco de corrector si tiene algo a mano, porque ya no se puede confiar en el mundo con demasiada información: una máscara podría ser útil. 

Cada artista es responsable de analizar qué es aceptable y aceptado en su trabajo y cuán importante es cada adición a la pintura. Esa conciencia de sí mismo de la Guerrilla Interna: esa es la disciplina, ahora. Es el juez y jurado de Pizarro.

Este es el equilibrio que requiere el arte. La subversión requiere delicadeza: demasiada y aliena las sensibilidades de las generaciones anteriores y las sensibilidades de las generaciones actuales. Si no hay suficiente innovación, las generaciones futuras determinarán tu irrelevancia.

El arte de Caravaggio y Pizarro cae en la transgresión, y luego se atempera de nuevo a la reverencia, lo suficiente para ser accesible. 

Pizarro fomenta la discreción entre sus habilidades duras y la usa para ensartar nuestras incongruencias colectivas. El estilo puede ser derivado, por supuesto, pero representar lo que ves es realismo, así que cuando trabajas en realismo, es lo que es.

Eso no es derivado en absoluto. Ese es el universo conocido. Si su trabajo muestra un pensamiento convincente y relevante, está bien encaminado hacia el arte representativo: ahora solo ponga las herramientas a trabajar. 

Si Caravaggio es el patriarca del realismo punk-as-fuck en el árbol genealógico del conocimiento, entonces Raúl Pizarro está afín, pero en una rama del naturalismo que ha injertado algunas curiosidades teológicas sobrenaturales modificadas construidas sobre cimientos dudosos.